Meeyoung Kim ‘Synthetic Moment’ Gallery Huue Singapore is pleased to present Synthetic Moment’, a solo exhibition by Meeyoung Kim, from June to September, 2021. She uses materials from oil paintings to find various techniques and expresses the unique atmosphere of paint on the canvas screen. The artist's paintings abstractly express her energy through brush strokes and colors, rather than having a reproducing object, which she encounters naturally in her daily life. This energy can be an awe-inspiring moment that the artist felt or a little emotion that she felt tiny. The various senses in memory that the artist tried to capture have become a source of inspiration accumulated through continuous observation over the past few years. The medium of painting is a static genre, but the artist wants to create a moving screen. The artist thinks that what makes the beautiful scenery even more attractive is a phenomenon that proves that it is alive, such as the movement of leaves swaying in the wind, flowing water, and warm falling snow. So when She always looks at something beautiful, She thinks about putting it on the canvas with abundant inspiration from the way her eyes move from place to place, giving off vitality. There are several series in her work that has created over time. As she prepares for the exhibition, she developed the most intense techniques she wants to express, and the new series of paintings are naturally created. As this is her first solo exhibition overseas, the audience will see various series that she has worked on over the past five to six years. Initially, the conceptual landscape of painting, pushing, and redrawing with a large brush was shown. Still, recently, the use of knives has increased, consisting of tonal movements, distancing, gradation, and lumps of paint protruding outside the canvas. The artist first paints several layers of gesso so that the paint goes up smoothly on the woven canvas and then leaves the grid using pencils and a ruler. This action is a psychological device for artists by postulating the entry of the work as a different channel. She sees the space in which she stands the world in the painting as a symbolic act of thinking of it as a door or window. In this process, the artist imagines the brush strokes, colors, and atmosphere that will fill the screen and decides which color and brush to use calmly. She prepares oil paints and materials and applies abstractly planned touches and colors to the canvas screen. In addition, this step can be described as a shipment arrangement for increasing a significant amount of paint rhythmically. The artist adds her unique abstraction by filling the entire canvas in a way that embraces unexpected effects and allows the previous color to draw, unfold, cover, and flow without drying. The artist's painterliness combined with the kind of modeling. Somewhere between her paintings and modeling, there's a resemblance to sculpture way. The depth of painting is often replaced by pictorial considerations of color, materiality, and surface rather than images. At some point, the oil paint's properties, filled with multiple layers, are reversed in order, revealing the process of filling the screen with tactile trajectories rather than epic elements. In 2017, the 'Wet on Wet' her solo exhibition described her painting as a multi-angle viewpoint, enjoying the process of turning the canvas screen into a sculptural painting, applying a large chunk of paint to the canvas, and sculpting on the plane. The artist later took an interest in how the dynamics and tension of the surface caused by paint painting on the picture plane in the solo exhibition of 'Touch of Eyes' (2020) technically treat the independent medium itself. Still, the artist's attitude can be seen as a mixture of silver and gold and white paint. "I think there's a unique language that the only panting has. The same may be true of other genres of art, but I think there is a certain power that painting has at the moment, and I believe that it has an infinite world. As I work on it, I feel emotional healing or comforting myself. I think it would be better if the audience could act as a catalyst for recalling pleasant memories rather than a clear message expressed in language while appreciating my painting. Personally, as an artist who manages painting, it's a meaningful conversation to keep attracting viewers and stopping their eyes and keeping them looking at my work. I'm always trying to make a worth work looking at for a long time." The power of painting can be conveyed to many people regardless of nationality. Artist Meeyoung spent nearly a decade learning theories and practical technics about Oriental painting and Korean painting. Ewah Women University in Korea studied Korean painting at undergraduate and graduate schools, followed by studying at the Royal College of Art in England. Currently, oil painting is used only as an ingredient, but using materials and colors in Korean painting techniques learned before studying abroad is naturally expressed. Meeyoung tries to approach the ideal standard of painting every day, constantly experimenting with various abstract painting techniques, and tries to create more beautiful and subtle paintings. We hope that art collectors, who will consider her paintings as meaningful works of art, will spread through this solo exhibition. This solo exhibition will be installed in a sharing office called The Work Project in Singapore. This venue will unveil to the public for the first time in Singapore. 김미영 개인전 ‘Synthetic Moment’ 갤러리 휴 싱가포르는 오는 2021년 6월부터 2021년 9월까지 작가만의 표현방식으로 공감각적 찰나를 캔버스에 담아내는 김미영 작가의 싱가포르 첫 개인전 ‘Synthetic Moment’ 展 을 개최한다 김미영 작가는 유화의 재료를 이용하여 다양한 기법을 찾으면서 물감이 주는 특유의 분위기를 캔버스 화면 위에 표현하는 작업을 하고 있다. 작가의 그림은 재현하는 어떤 대상이 있다기 보다는 일상에서 자연스럽게 마주하게 되는 공감각적 찰나를 붓질과 색을 통해 자신만의 에너지를 추상적으로 표현한다. 그래서 이 에너지는 작가가 느꼈던 매우 인상적인 순간일 수도 있고, 아주 소소 하게 느꼈던 작은 감정일 수도 있다. 작가가 포착하려고 했던 다양한 기억 속 감각들은 지난 몇 년간 지속적인 관찰을 통해 축적된 영감의 원천이 되었다. 회화는 매체는 멈추어 있는 정적인 장르이지만 작가는 움직이고 있는 듯한 화면을 만들고 싶어한다. 아름다운 풍경을 더욱 아름답게 해주는 것은 바람에 흔들리는 잎사귀나 흐르고 있는 물, 그리고 포근하게 내려오는 눈 등의 움직임처럼 마치 살아있다는 것을 증명해주는 어떤 현상이라고 작가는 생각한다. 그래서 항상 아름다운 것을 바라볼 때에 시선이 여기 저기로 움직이며 생명력을 발산하는 것에서 풍성한 영감을 갖고 그것을 화면에 어떻게 옮길 지에 대해 고민한다. 작가의 작품에는 시기 별로 탄생하게 된 몇 가지의 시리즈가 존재한다. 대부분 전시를 준비하면 서 가장 강렬하게 표현하고 싶은 기법을 발전시키다 보면 새로운 시리즈의 그림들이 자연스럽게 만들어지는데, 이번 싱가포르 전시는 6 년 전 뉴욕에서의 첫 개인전 이후 처음으로 선보이는 개인전만큼 지난 5~6 년의 시간 동안 작업해온 여러 시리즈를 총 망라하여 다양하게 선보인다. 초기에는 대체적으로 붓을 중점적으로 이용해서 그린 후에 큰 붓으로 밀어내고 다시 그리는 구상적 풍경을 보여줬다면, 근작으로 갈수록 나이프 사용의 비중이 커지면서 색채와 농도가 주는 톤의 움직임과 거리감, 그라데이션 그리고 캔버스 밖으로 돌출되는 물감의 덩어리들로 이루어진 추상적인 상태 을 일정하게 보여준다. 김미영 작가는 먼저 짜여진 캔버스에 물감이 부드럽게 올라가도록 젯소를 여러 겹 칠한 후에 연필과 자를 이용하여 그리드를 남긴다. 이것은 작가에게는 심리적인 장치로서, 작품으로 들어가는 것을 다른 차원의 세계로 이행하는 통로로 상정하고 있기에 자신이 서있는 공간과 회화 안의 세계를 하나의 문이나 창문으로 생각하는 어떤 상징적인 행위로 바라본다. 이 과정에서 작가는 이 화면을 채워나 갈 붓질이나 색, 그리고 분위기를 상상해보며 차분하게 사용할 색과 붓을 정한다. 그리고 유화 물감과 재료를 준비하여 추상적으로 계획했던 터치와 색감을 캔버스 화면에 바르기 시작한다. 또한 이 단계는 상당히 많은 양의 물감을 순차적으로 리듬감 있게 올리기 위한 선적인 구획 정리라 할 수 있다. 작가는 예기치 못한 효과들을 포용하며 이전의 물감이 마르지 않은 상태에서 긋고, 펴고, 덮고, 흘러내리게 하는 방식으로 캔버스 전체를 채워나가는 과정을 통해 그녀 특유의 추상성을 더해 나간다. 그녀의 회화와 조각 사이, 그 어딘가 소조의 방식을 닮아 있다. 작가의 회화성(painterliness)은 소조의 방식과 결합되며 회화의 깊이는 이미지가 아닌 색, 물성, 표면에 대한 회화적 고찰로 치환되기도 한다. 그리고 어느 시점에서부터 여러 레이어로 중첩된 유화 물감의 물성들은 그 순서가 뒤바뀌어 서사적인 요소보다는 촉각적 궤적으로 화면을 채워나가는 과정이 더 드러난다. 2017년에 탄생한 Wet on Wet 개인전에서는 캔버스 화면이 조각적 회화로 변이되는 과정을 즐기며 아예 캔버스 화면에 다량의 물감 덩어리를 바르고 평면 위를 조각적으로 구축하면서, “그림의 촉감”을 더듬어 나가는 자신의 회화를 다각도에서의 관람 포인트(multi-angle view point)로 명시하였다. 작가는 그 뒤에도 《그림의 촉감(Touch of Eyes)》(2020) 개인전에서 회화 면(picture plane)에 물감이 채색됨으로 야기되는 표면의 역동성과 긴장감이 독자적 매체 자체를 기법적으로 어떻게 다루는가에 대한 관심을 선행하였지만 그럼에도 불구하고 작가의 태도는 회화적인 표면을 유지하기 위해 작가는 은색과 금색의 반짝거리는 안료의 사용과 물감에 흰색을 섞어 사용하는 것이 주요 역할로 작용하는 것을 볼 수 있다. “저는 회화만이 가지고 있는 특유의 언어가 있다고 생각합니다. 다른 예술의 장르도 마찬가지이겠지만 저는 현재로서는 회화가 갖고 있는 어떤 힘이 분명히 있다고 생각하고 그 세계가 무궁무진하다고 믿습니다. 작업을 진행하면서 제 스스로 감정적인 치유나 위로가 많이 되는데, 보는 관객들도 그림을 감상하며 언어로 표현할 수 있는 명확한 메세지보다는 즐거운 기억을 회상하는 촉매제의 역할을 그림을 할 수 있다면 좋을 것 같습니다. 예술 작품은 보는 사람에게 울림이나 감동, 강렬한 메시지를 전달해야 한다고 생각합니다. 개인적으로 회화를 다루는 저는 보는 사람을 계속 끌어당기고 눈을 멈추고 계속 바라보게 하는 것이 의미 있는 회화라고 생각합니다. 오랜 시간 바라보고 있을 가치가 있는 회화를 만들기 위해 항상 노력하고 있습니다.” 회화가 갖고 있는 힘은 국적을 불문하고 많은 이들에게 전달 될 수 있다는 것이다. 작가는 거의 10년에 가까운 시간 동안 동양화와 한국화에 대한 이론과 실기를 배웠다. 한국의 이화여자대학교에서는 학부와 대학원에서 Korean Painting(동양화)를 배웠고 그 뒤, 영국의 Royal College of Art로 유학을 간 뒤에는 Painting를 전공하였다. 현재는 유화만을 재료로 사용하고 있지만, 유학 전에 배웠던 한국화의 기법에서 재료와 색감을 사용하는 방법 등이 자연스럽게 내재되어 발현되고 있다. 작가 자신이 생각하는 가장 이상적인 회화의 기준에 매일 조금씩 다가가려고 애쓰며, 여러가지 추상적 회화의 기법들을 끊임없이 실험하며 더욱 아름답고 미묘한 회화를 만들어 가고자 노력하는 김미영 작가만의 회화를 의미 있는 예술 작품으로 여길 해외 컬렉터들이 이번 개인전을 통해 확산되길 바란다. 개인전은 싱가포르 The Work Project라는 대규모 오피스 공간에 설치되며, 싱가포르 최초로 일반인들에게도 공개된다