균형은 흔히 안정과 질서의 다른 이름으로 이해된다. 그러나 오늘날 우리가 경험하는 세계는 끊임없이 이동하고, 충돌하며, 다시 재편된다. 기술의 급속한 발전, 가속화된 정보 환경, 불안정한 사회 구조 속에서 균형은 더 이상 도달해야 할 이상적인 상태가 아니라, 매 순간 새롭게 조율되는 과정이 되었다. 완벽한 균형은 존재하지 않는다. 오히려 균형은 흔들림 속에서만 드러난다. 《Unbalanced Balance》는 이러한 역설에서 출발한다. 전시는 균형을 대칭과 안정이라는 고정된 개념으로 바라보지 않는다. 서로 다른 재료와 물성, 색과 구조, 공간과 시간, 평면과 입체가 만나고 충돌하며 협상하는 과정 속에서 생성되는 유동적인 상태를 하나의 조형적 조건으로 제안한다. 균형은 완성된 결과가 아니라 끊임없이 생성되고, 해체되며, 다시 구성되는 움직임이다. 이번 전시에 참여하는 서희수, 유정민, 윤정희, 윤종주, 홍정욱은 서로 다른 조형 언어를 사용하지만 모두 하나의 질문을 공유한다. 형태는 어떻게 긴장을 유지하는가. 물질은 어떻게 서로 다른 성질을 공존시키는가. 색은 어떻게 시간과 공간을 만들어내는가. 그리고 회화와 조각은 어떻게 자신의 경계를 넘어 새로운 관계를 형성하는가. 이들은 각기 다른 방식으로 '균형'을 완성된 상태가 아닌, 끊임없이 변화하는 관계와 과정으로 제시한다. 서희수(b.1973)는 서로 다른 물성과 시간이 축적되는 과정을 통해 재료가 지닌 긴장과 회복의 가능성을 탐구한다. 초기에는 흙으로 만든 붕대를 반복적으로 감고 말리는 과정을 통해 상처와 치유, 소멸과 지속이라는 인간의 내면을 물질로 치환해 왔다. 최근에는 한지와 나무, 금속 등 비소성 재료로 작업을 확장하며, 각기 다른 물성이 지닌 고유한 성질과 시간이 만들어내는 층위를 조형 언어로 풀어낸다. 서로 다른 재료는 하나로 통합되기보다 각자의 결을 유지한 채 공존하며 새로운 균형을 만들어낸다. 유정민(b.1990)은 오징어 합판과 레진을 활용하여 반복과 변형, 그리고 움직임을 내포한 추상적 구조를 구축한다. 특히 그의 작업에서 아치는 구조적 안정성과 유기적인 움직임이 동시에 공존하는 중요한 조형 요소이다. 잘 휘어지는 합판의 물성을 적극적으로 활용해 자유로운 곡선을 만들어내며, 재료가 지닌 잠재력과 형태의 가능성을 확장한다. 이번 전시에서는 기존 작업과 차별화된 새로운 색채를 적용하여 균형과 긴장의 관계를 더욱 확장된 감각으로 제시한다. 윤정희(b.1978)는 선을 하나의 조형 언어로 확장한다. 직선과 곡선, 반복되는 고리와 매듭은 공간 안에서 유기적인 흐름을 만들며 회화와 조각의 경계를 넘나든다. 실과 파이프, 동선 등 서로 다른 재료는 반복과 리듬을 통해 새로운 질서를 형성하고, 작품은 벽과 바닥, 선반 등 다양한 방식으로 설치되며 중력에 고정되지 않는 자유로운 공간감을 제안한다. 조각성과 공예적 섬세함, 회화적 리듬이 공존하는 그의 작업은 공간 속에서 새로운 균형을 형성한다. 윤종주(b.1971)는 색과 색 사이에서 생성되는 미세한 차이를 탐구한다. 화면 위에 수없이 쌓인 색의 층은 빛과 반응하며 끊임없이 변화하는 공간과 시간을 만들어낸다. 퍼즐처럼 결합된 화면은 하나의 완결된 이미지를 지향하기보다 색들이 서로 관계를 맺으며 생성하는 리듬을 보여준다. 그의 회화에서 빛은 시간이 되고, 색은 공간이 된다. 균형은 색의 대비가 아니라 서로 다른 색들이 공존하며 만들어내는 미세한 긴장 속에서 드러난다. 홍정욱(b.1976)은 회화는 왜 벽에 걸려 있어야 하는가라는 질문에서 출발한다. 캔버스와 프레임이라는 회화의 기본 구조를 해체하고, 나무와 유리, LED 조명을 결합하여 회화를 공간 안으로 확장한다. 평면과 입체, 빛과 물질은 하나의 작업 안에서 새로운 관계를 형성하며, 작품은 더 이상 독립된 오브제가 아니라 주변 공간과 끊임없이 상호작용하는 환경이 된다. 그의 작업은 회화와 조각, 공간 사이의 경계를 유연하게 넘나들며 새로운 균형의 가능성을 제안한다. 《Unbalanced Balance》는 균형을 완성의 상태가 아닌 생성의 상태로 바라본다. 서로 다른 재료와 감각, 구조와 시간은 하나의 질서로 수렴되지 않는다. 오히려 각자의 차이를 유지한 채 공존할 때 비로소 새로운 균형은 시작된다. 이번 전시에서 균형은 대칭이나 안정의 결과가 아니라, 끊임없이 흔들리고 조율되는 관계의 과정으로 드러난다. 오늘날 균형은 흔들림이 없는 상태가 아니라 흔들림을 지속적으로 조율하는 능력이다. 다섯 명의 작가는 각자의 조형 언어를 통해 불균형과 긴장, 변화와 공존이 만들어내는 새로운 질서를 제안한다. 작품은 하나의 정답을 제시하기보다 서로 다른 요소들이 관계를 맺고 변화하는 과정을 보여주며, 관람자는 그 안에서 자신만의 균형을 발견하게 된다. 완벽한 균형은 존재하지 않는다. 우리가 끊임없이 흔들리며 만들어가는 과정, 바로 그 움직임 자체가 균형이다. Balance is commonly understood as a state of stability and order. Yet, the world we live in is constantly shifting, colliding, and restructuring itself. With increase of technological development, overwhelming number of information, and increasingly unstable social conditions, balance is no longer an ideal state to be grasped. Instead, it has become a process of continual adjustment where perfect balance is hard to locate as it reveals itself through instability. 《Unbalanced Balance》 begins from this paradox. The exhibition does not approach balance as a fixed idea of symmetry or stability. Instead, it looks at balance as something that emerges when different mediums and materialities, colours and structures, space and time, and two- and three-dimensional forms meet, collide, and coexist. Balance is not a finished result, but a process that is constantly being formed, dismantled, and rebuilt. Five participating artists - SUH Heesu, YU Jeongmin, YOON Jongju, YOON Junghee, HONG Jung-Ouk- have their own unique practices, but they all begin with the same questions. How does form sustain tension? How can materials with different properties coexist? How does colour create time and space? And how can painting and sculpture move beyond their own boundaries to form new relationships? Each artist approaches such questions as a relationship and a process of balance that continues to emerge and entangle, not presenting balance as something complete. SUH Heesu (b.1973) explores how different materialities and layers of time form, revealing the tension and potential within the materials she works with. In her earlier works, she repeatedly wrapped and dried bandages made of clay, translating the human experiences of wounds and healing, disappearance and persistence into material form. More recently, she has expanded her practice to include non-fired materials such as hanji (traditional Korean paper), wood, and metal, incorporating the distinct qualities of these materials and the layers of time they embody into her sculptural language. YU Jeongmin (b.1990) creates abstract forms through arch and its repetition, transformation, and movement, using squid plywood and resin as primary materials. The arch is a central formal element in his practice, embodying both structural stability and organic movement. By actively exploring the flexible properties of plywood, YU creates curves that expand the potential of the material and the possibilities of form. For this exhibition, he introduces a new colour palette distinct from his previous works, further extending the relationship between balance and forms. YOON Junghee (b.1978) expands the line as a her unique language, transforming straight and curved lines, repeated loops, and knots into organic flows within space. Using materials such as thread, pipes, and copper wire, she creates sculptural structures through repetition and rhythm, combining the delicate qualities of craft. Her works are installed in various ways across walls, floors, and shelves, moving beyond fixed forms of presentation. Through the relationship between line, material, and space, YOON’s works create a new balance within the surrounding environment. YOON Jongju (b.1971) explores the subtle differences that emerge between colours. Layers of colour repeatedly built upon the surface interact with light, creating a sense of space and time in constant movement. Rather than pursuing a complete and fixed image, her compositions, assembled like a puzzle, reveal the rhythm created through the relationships between individual colours. In YOON’s paintings, light becomes time and colour becomes space. Balance does not emerge from contrast, but from the subtle transition created through the formations of colours. HONG Jung-Ouk (b.1976) begins his practice with the question of why painting must always remain confined to the wall. By deconstructing the fundamental structures of painting -canvas and frame-and combining mediums such as wood, glass, and LED lighting, he expands painting into space. Within his works, the relationship between flatness and volume, light and materiality, is continuously reconsidered. Moving fluidly between painting, sculpture, and space, HONG’s practice proposes new possibilities of balance. 《Unbalanced Balance》 considers balance not as a state of completion, but as a state of continual formation. Different materiality, structures and temporalities do not become a single order. Rather, a new balance emerges when each maintains its own differences while existing together. In this exhibition, balance is not understood as the result of symmetry or stability, but as a relationship continuously shaped through tension and change. The five artists propose new forms of order created through differences and coexistence. Instead of a fixed answer, their works reveal how materials, forms, and spaces encounter one another and generate new possibilities, inviting viewers to consider their own understanding of balance. Perfect balance does not exist. It emerges through the constant movement of shifting, adjusting, and finding new points of connection.